THE FLATFIELD: Passionless EP (Autoproducido/Gothic Music Records 2014)

28/5/14
The Flatfield no son unos recién llegados. Llevan bastante tiempo sus componentes (en diferentes formaciones locales finesas) en esto de la música. Y se nota. Claro que se nota. Desde el primer acorde percibes que no hay novatos aquí. Sin embargo, nada había oído de ellos antes de este (su) primer trabajo discográfico que reedita el sello Gothic Music Records. Finlandia siempre ha sido cuna de gran cantidad de grupos, en un sinfín de estilos pero, quizá, preponderen los “guitar-based” en sus múltiples reencarnaciones. Y eso, amigos, también se nota. Lo hace porque este Passionless (EP de poco más de media hora) está repleto de referencias cruzadas pero difícilmente rastreables. Usando un símil culinario, es de esos discos (comidas) dónde sabes que hay un montón de ingredientes pero eres incapaz de enumerarlos todos. Ni un porcentaje decente, de hecho. El conjunto es maravilloso, por supuesto. Y es que si tuviera que definir a estos cuatro tipos o, mejor, a la música que escupen, no sabría muy bien por dónde cogerlos. Tienen ramalazos postpunk, incluso afterpunk, especialmente en algunos ritmos gélidos y en la estructura de algunas canciones. Pero también rondan el gótico clásico. La voz es grave, pero no guturaliza ni imposta, o no siempre. Las guitarras son fuertes pero no excesivamente. Juegan con texturas y teclados, las canciones cambian de ritmo muchas veces… Casi progresivos, un poco postrockeros, góticos (oscurísimos) también. Incuso se puede rastrear gustos por el doom más depresivo. Y luego escuchas Eternal (el sexto corte) y esas guitarras agudas y esa sección machacona… parece de la costa oeste americana. Lo dicho, una amalgama infinita de muy diferentes sonidos, casi diría que de distintos estados de ánimo.

Todo lo dicho no deja de ser una manera de describir algo siempre (pero en este caso con más motivo) indescriptible. Todo lo dicho tendría poco valor, ninguno, si no fuera porque Passionless es un trabajo impresionante. Los siete cortes que lo llenan son a cada cual mejor, sin que me pueda quedar (ni quiero) solo con uno o dos. Diferentes estados de ánimo, diferentes estilos, diferentes texturas. Un caleidoscopio infinito de calidad increíble. La citada Eternal es una pasada llena de sentimientos de todo tipo, original y fresca, además de fenomenalmente bien ejecutada (como todo el EP, otra muestra de lo que supone la experiencia). Praise es épica, fuerte, oscura, angustiosamente bella, siniestra. Silence es el tema apertura perfecto, tormentoso, con ese ominoso teclado que lo llena todo. De vuelta a los ochenta pero cantando à là Sven Friedrich. The Witch… guitarras que traen a Mephisto Waltz a la cabeza, en el mejor momento del combo. Ritmos postpunk, voces que se arrastran en crescendos épicos sin final. La homónima Passionless está llena de sentido, atesora por sí misma todo lo que el cuarteto ofrece. Mejor escúchala. Diga lo que diga me quedaré corto. New Time es un hit absoluto. Un inicio con reminiscencias (ligeras) a los Sisters de Floodland, para luego, de la mano del teclado y del talento virar e irse por un montón de sitios. Como cuando una gota cae con fuerza, golpea algo y se multiplica en miles de gotitas que se dispersan, pues así. Shore es radicalmente diferente a la anterior, tal vez sea más estándar de planteamientos pero eso, lejos de suponer menoscabo, la refuerza. Otro estupendo tema. Un no parar.

The Flatfield (homenaje nada velado a Bauhaus en el nombre) son hoy por hoy una interesantísima propuesta musical. Confiamos en que tenga refrendo con el tiempo, porque apuntan muy muy alto. Para mí y desde ya, unos de los grandes descubrimientos de este año.

Puedes escucharlo entero:



Y ya sabes que este disco y el resto de los del sello los puedes adquirir vía Gothic Music Records o a través de nosotros. O por supuesto enviando un correo electrónico a laletracapital@hotmail.com.


PRINCIPE VALIENTE: Choirs Of Blessed Youth (Afmusic 2014)

27/5/14
Espectacular. Impresionante. Tremendo. Increíble. Alucinante. Extraordinario. Estupendo. Magnífico. Podría seguir así dos horas. O tres mil palabras. Podría estar con la boca abierta semanas enteras. Me faltarían, me faltan, adjetivos. Principe Valiente pasan por ser uno de los mejores representantes del revival postpunk/shoegaze actual, para mí, a años luz del siguiente.. Recuerdo perfectamente cómo se me enarcó sola la ceja derecha cuando me pasaron aquel ya lejano primer EP (2007). ¿Se llaman Principe Valiente siendo suecos? Me imaginé a cuatro o cinco tipos con el pelo a tazón, vestidos de eslogan de marca de galletas, rubios y de tez rosada, con leotardos y sombrero de pluma. Imaginación imbécil que tiene uno. Después fue la ceja izquierda la que acompañó a la otra al escucharlos, claro. Automáticamente quedé prendado de la inmensa capacidad para la garganta dramática del vocalista Fernando Honorato (y de su bajo, artífice de buena parte del compacto sonido del grupo). Pero no solo la voz y el bajo destacan en el combo, las guitarras de Jimmy Ottosson, ardientes cuando deben, punzantes a veces y distorsionadas siempre, son otra seña de identidad. Como lo son los teclados del mismo Jimmy o de Rebecka Johansson, responsables de la mucha afinidad por la new wave que transmiten las canciones. El contundente Joakim Janthe se encarga desde las baquetas de darle prestancia al todo y de marcar por dónde han de ir los tiros. Dicho esto, imaginaos las ganas que tenía en su momento de hacerme con su CD homónimo de hace tres años. E imaginaos el miedo a que este Choirs Of Blessed Youth no estuviera a la altura, cuando me lo enviaron desde AFMusic. El disco, de hecho, no estará físicamente disponible hasta el seis de junio.


Puestos a buscarle defectos, dijimos en su día que lo más criticable de PValiente en sus trabajos anteriores, podía ser la linealidad de los temas: todos o casi todos con un tempo parecido. Era esforzándose en buscar pegas, cierto, pero eso no lo hacía menos real. Bueno, pues en Choirs… corrigen mucho esta linealidad y se manejan instrumentalmente en un rango de sonidos más variado. Ya desde The Son I'll Never Be el dominio de la guitarra muestra una primera intención de cambio, la canción va poco a poco deslizándose entre los múltiples ecos y reverberaciones de la voz de Mr. Honorato y el omnipresente teclado. Take Me With You (sacada anteriormente como single, buenísima elección) cambia completamente el ritmo y, aunque es barroca en composición e interpretación, hace un poco de nexo entre los “viejos” Principe Valiente y los nuevos. Unos que se manifiestan profusamente en la que fue el otro adelanto del álbum: She Never Returned. Medio tiempo épico, abrazados al teclado y a la distorsión de las cuerdas, mecidos por voces y parches, una preciosidad de esas tristes a los que los de Estocolmo nos tienen más o menos acostumbrados. La larguísima The Dream (más de nueve minutos) nos sumerge en ese mundo onírico que recrea a base de punteos, bajos profundos y teclados nuevaoleros. Como si de unos Cure (Disintegration era) redivivos se tratara, la guitarra repetitiva encierra mucho más de lo que enseña a primera oída y la normalmente dramática voz brilla aquí entre la niebla más que nunca. Si la anterior nos parecía una preciosidad, este Sueño no le va a la zaga. Uno de esos cortes para escuchar con atención una y otra vez, y otra y otra y otra. Sin embargo, la adrenalítica Wasted Time devuelve a los nórdicos que conocíamos, los de hits absolutos e incontestables como The Night o In My Arms. Uf, los pelos como escarpias. The Fighting es postpunk puro, purísimo. Y negro como lo más negro que te puedas imaginar. Uno de esos temas envueltos en un celofán engañoso, caramelo envenenado, ya sabes a qué me refiero. El bajo cortante, como hielo, golpe tras golpe te traslada por toda la canción, un no parar de emociones. Choir Of Blessed Youth, por el contrario, es un breve interludio en el marasmo que supone todo el CD. Un delicado teclado, onírico, espacial, expande en minuto y medio todo el universo propio creado, un universo cuya continuidad está garantizada por la estupenda Fiction a la que sirve de intro. Fiction es un tema de esos que se te meten dentro, uno de esos que podría estar firmado en 1985, si es que entonces había alguien capaz de componer una pieza como esta, que tengo mis dudas. Como las tengo de que haya una canción que resuma tan bien lo que son Principie Valiente como Dying To Feel Alive. Oscura, rítmica, elegante… de nuevo me faltan adjetivos. Temporary Men está en la línea canónica de The Fighting. La melodía del teclado y la guitarra por encima de todo, con la sección rítmica golpeando detrás y la voz arrastrándose delante. Algo exquisito cuando se conjunta bien. Y ésta lo está. Flower In You cierra el CD. Con tranquilidad medida. Fuerza contenida. Tensión sujetada, domada, siempre a punto de explotar, no termina de hacerlo, dejándote un cierto desasosiego que a lo que invita es a comenzar de nuevo desde el principio.

Choirs Of Blessed Youth es uno de esos discos que mejoran a cada escucha, pero que ya desde la primera da muestra de las cualidades que lo adornan, no requiere una digestión difícil, ni larga. aunque con ella mejora, indudablemente. Más variado que los anteriores, menos dramático y desgarrador (especialmente en la voz), más maduro, más “hecho”. Decía al principio que era un trabajo espectacular, impresionante, tremendo, increíble, alucinante, extraordinario, estupendo y magnífico. Me faltó decir que es, además, imprescindible.

NOMADA SESSION 21: SABADO 31 DE MAYO DE 2014: PRESENTACIÓN OFICIAL DEL NUEVO DISCO DE WHISPERS IN THE SHADOWS: BEYOND THE CYCLES OF TIME




ANGELS OF LIBERTY: Touch The Daemon EP (Secret Sin Records 2014)

Hemos hablado en estas páginas últimamente con bastante profusión de Angels Of Liberty. El dúo formado por Voe y Scarlet han sacado varios trabajos en los últimos tiempos y hemos tenido la fortuna de poder hacernos eco de ellos. Ahora lanzan un nuevo EP, Touch the Daemon, en el que renuevan otra vez el viejo gótico que a finales de los ochenta y todos los noventa hizo renacer el género en el Reino Unido y que de ahí se expandió por todo el mundo. Ese gótico guitarrero pero sin exagerar, elegante pero sin amaneramientos, oscuro pero no lúgubre, murcielagoso y calavérico, el de unos Nosferatu inspirados, el de unos Rosetta Stone antes de empezar a copiarse a sí mismos y terminar engullidos por la electrónica, el de las chorreras y las chisteras. Ese tan manido y tan sobado y a la vez tan admirado (y tan copiado).

Renovar un estilo tan encasillado, tan autoconclusivo, siempre es complicado y precisa de cantidades ingentes de talento y de, al mismo tiempo, ser capaz de superarse a sí mismo y de trascender el tópico. Ya dijimos en su momento que tanto en Pinnacle Of The Draco como en el recopilatorio que amalgamaba Monster In Me y The Black Madonna el dúo británico había conseguido sonar fresco pese a las indudables referencias e influencias, había logrado sonarme originales pese a llevar treinta años escuchando grupos del palo. Quedaba la duda de si serían capaces, ya con temas nuevos, de mantener el nivel (superarlo parecía difícil). Quedaba la inquietud, ya que es muy complicado no caer en viejos defectos, en antiguos vicios. Touch The Daemon las resuelve, las dudas y las inquietudes.

Ya desde el primer tema homónimo se ve claramente que pese a que están aquí de nuevo las conocidas guitarras, los sempiternos bajos, los teclados omnipresentes, las cajas de ritmos y las voces filtradas, las acompañan otros ingredientes comunes en el grupo. El buen hacer, la frescura, la originalidad sin alardes, la “humildad” del trabajo bien hecho. Un tema que supura niebla densa, un sonido británico como el té, un aire aristocrático en las cuerdas, también las vocales, en cómo las palabras se deslizan por la garganta, componiendo un nuevo himno. Ritual & Tradition ya aparecía en versión demo en Pinnacle. Aquí se ofrece mejorada en los arreglos y el sonido, cerrada, definitiva. Estupenda. Sophia me encanta. Gótico de los noventa cien por cien, de ese que me cansó en su momento y que, ahora, no sé la razón, agradezco la recuperación. Épica sin exagerar, rítmica pero no repetitiva, pegadiza sin resultar cansina, AoL en gran estado de forma. Our Tears empieza más tranquila, basada en un teclado que podría hacer recordar a los mejores Girls Under Glass, es tal vez el tema más centroeuropeo del disco. El eco de la voz ayuda a crear el necesario ambiente para la letanía lírica. Delicadas notas acompañan y revisten de terciopelo toda la canción. Break The Silence es nuevamente tradición inglesa por los cuatro costados. Un clásico desde su composición, una de esas piezas que invitan al baile, con todo lo que eso conlleva. Quizá el más claro single de las seis del EP, aunque cualquiera podría serlo, aquí no hay relleno. La mejor manera de comprobarlo es escuchar el corte que cierra, ese Black Knight Satellite de factura impecable. Ritmos cercano al mejor glam, pero sin perder un ápice de oscuridad, voz gutural que lejos de resultar desagradable enmarca perfectamente un tema que no por diferente al resto (que lo es) desmerece. Para nada. Un magnífico cierre a un EP que debe formar parte de cualquier discografía oscura. Otra constatación de que si la pregunta es sobre gótico británico, la respuesta son Angels Of Liberty. No me cabe duda.

SESIÓN DE PROFUNDIS 14 DE JUNIO DE 2014

22/5/14



CIRCUNCELION: Carved In Waters (Twilight Records 2014)

21/5/14
Circuncelion nace en un principio en 2004 de la mano de Igor Mesmer, como alternativa a su banda Addiction, para desarrollar este proyecto nuevo de “visiones sonoras” del que salió “Eschara” basado en sus impresiones suscitadas acerca la Guerra Civil española , pero no es hasta Diciembre de 2009 cuando con la colaboración e integración de Romina Pérez, pianista de formación clásica comienzan con la composición y creación de “Carved in Waters”, su segundo trabajo, un disco maduro y emocionante.


“The Beginning” es la melodía perfecta para acompañar las palabras de Dylan Thomas que abren el disco, tomadas del poema del mismo nombre; “Song of Ophelia”; casi ocho minutos en los que primero ves a través de las notas del piano a Ofelia flotando en el río para después mecerla con la voz de Igor que recuerda gratamente a Brendan Perry, dándole a la composición un corte majestuoso y épico, presente en muchas de las canciones. “Sontay” medieval, oscura y casi hipnótica, de inconfundible estilo Dead Can Dance, nos lleva a “Retrospective Room Part (1 y 2) “ que dejan fluir las notas a través del piano y la creatividad de Romina, y que envuelven en el orden del disco a “Dei Sospiri” , un magnífico cántico en italiano, complicado a la vez que de impecable resultado, inspirado intuyo en el poema de casi mismo nombre de Thomas nuevamente, y a “Tishtrya”, instrumental, que rompe con el estilo de las canciones anteriores pero que no desentona. Con la fantástica “A Dream within a dream” puedo decir que son increíbles componiendo la música perfecta para ilustrar poemas, en este caso de Poe, fusionando perfectamente el romanticismo con lo medieval, y la voz de Igor que sabe transmitir esa angustia de las letras románticas a la perfección. Siguiendo en la misma línea, “To never come back again”, una historia sobre deportación por mar, en un tono más oscuro y casi tántrico sin dejar el toque instrumental de la música de la época feudal, para ir cerrando con dos Requiem, la emotiva y dramática “Tuol Sleng” dedicada a los millones de personas que fueron torturadas y asesinadas en Camboya (se siente de manera diferente la canción si conoces la historia que la motiva; en una primera audición me ha gustado, después de buscar a qué se refería el título, las siguientes veces me ha encogido el estómago), y “Ondorio” un precioso Requiem en euskera, que cierra y personaliza en si todo un disco lleno de grandes melodías y estupendas interpretaciones llenas de emoción, sentimiento y cuidadas y estudiadas melodías y letras.



Para contactar con ellos y/o comprar el disco:

circuncelion@hotmail.com

https://www.facebook.com/circuncelion

gabriel@twilight-records.com.ar


Texto: Chatarrera Nórdica


Nota: (al hilo de la publicación de la reseña, el grupo nos remite la siguiente nota aclaratoria)

Hola, a modo de anécdota, te cuento que el tema “Dei Sospiri” no está inspirado en la obra de Dylan Thomas, sencillamente el año anterior a la composición del tema estuve unos días en Venecia y cruce el puente de los suspiros y, la verdad, envolvía todo una densa atmósfera. Estar en ese lugar y saber que era la ruta y el paseo final de los reos desde las mazmorras al cadalso... Por otra parte, salvo alguna excepción quería que los temas tuvieran relación con alguno de los elementos (en este caso el agua) y tanto el puente de los suspiros como las mazmorras fueron en su día lugares realmente húmedos y lúgubres, así que en el momento de componer, cerré los ojos y traté de volver a verme allí. Escribí la letra y Romina hizo lo adaptación al italiano.

Por otro lado “To Never Come Back Again” es líricamente la continuación de “Sontay”. Un buen amigo de Burdeos (Deni, la misma persona que hizo el famoso vídeo de Brendan Perry “Utopia”) hizo por su cuenta el vídeo de Sontay y las imágenes aunque evocadoras no tienen nada que ver con la letra. Ésta habla del éxodo que miles de niños sufrieron poco antes de finalizar la guerra civil, en lugares muy próximos a donde yo vivo; estos niños fueron alejados de sus familias para ser puestos a salvo, muchos de ellos fueron a países de Europa y a Rusia donde poco después sufrirían la Segunda Guerra Mundial.

“To Never Come Back Again” habla de todas aquellas personas que habiendo dejado atrás su tierra natal de niños y por aquellas circunstancias, crecieron, llegaron a la edad adulta, encontraron trabajo y el amor en aquellos lugares tan lejanos y echaron raíces allá; ellos añoran la tierra que les vio nacer pero ya tienen toda una vida construida en el exilio y jamás volverán.

Circuncelion

FUCKAINE: Totally Contagious (Origami Records 2014)

MUY sorprendido sigo con este Totally Contagious, primer CD de los patrios Fuckaine. Gratamente sorprendido, quiero decir. En primer lugar porque por vez primera (creo, mi memoria da para lo que da y da para bastante poco) no tengo ni la más remota idea de cómo calificar, con quién comparar, un disco que, a día de hoy y tras degustarlo (que no se dude del esfuerzo en digerirlo) repetidamente, sigue escapándoseme a cualquier intento de “cuadricular” lo inclasificable. Porque es así, amigos, este Totally Contagious es, aparte de como dice el propio título tremendamente –y para bien- pegajoso, absolutamente indefinible. Creativo a más no poder, mezcla una barbaridad de estilos tan dispares que asusta la amalgama final. Y es que los cincuenta minutos que dura están repletos de rock, rock con cualquier apellido que se te ocurra y electrónica moderna, a tutiplén. Así en general. El “problema” (bendito sea) es que dentro de esos dos supersacos, los madrileños le dan a todo: postpunk, indie, punk, funk, pop… Y le dan con momentos oscuros, otros lúcidos, ora cañeros, ora más tranquilos. Se marcan un disco, un discazo, que parece –otra vez, para bien- un recopilatorio, en el sentido de que se aprecia una superficial falta de cohesión entre temas, provocada por esa increíble paleta de referencias e influencias. Pero decía que era una falta de cohesión sólo superficial. Si escarbas, y créeme que merece la pena hacerlo, descubres que dentro de la muy barroca propuesta, hay un fondo sólido. Un fondo en el que si el mayor inconveniente que se le puede poner es que suenan a tanto que terminan sonando sólo a Fuckaine o nos hemos vuelto todos locos o no sé de qué coño nos estamos quejando. Decía al principio que esto era en primer lugar.

En segundo lugar, la sorpresa grata viene porque sin querer casi, me veo tarareando melodías imposibles, rebozadas de buen gusto e impregnadas de calidad. Como en Cristales y su desatada batería. Un himno oscuro y modernito a partes iguales. O en la compleja y rockera (ja, entre otros mil adjetivos y etiquetas) Hooray. Recuerda a esos tiempos dorados usamericanos de hielos negros, besos sagrados y dieciseisañeros. Y sellos de ojos hambrientos clarostá. Recuerda en el tono, aunque el desarrollo la lleve por distintos derroteros. La peculiar Get Fit, de las pocas que no terminan de entrarme del todo, más por culpa mía supongo que de ellos. O la noventera Tronquito de Brasil. Playground retoma la senda oscura, la del bajo llevando el peso. Más afterpunk que post, o eso me parece, me devuelve a los yanquis citados. Sin parecerse en nada realmente. Pero es lo que tiene este absurdo ejercicio de poner en letras lo que sólo se puede sentir, de intentar expresar lo inaprensible. Ay. Surimi parte de un título cuando menos peculiar (por ser suave) para pegársete a la piel y quedarse ahí. Para bien y para mal. Y mira que con Rocki' Down Sun intentan repetir la jugada, pero les sale otra cosa, pegadiza también pero en otro plan. Protagonista el teclado aunque solo por un ratillo. Energía pura. Thnk U vuelve a dar una vuelta a quien creía que ya lo había oído todo. Pese a que la combinación vocal se me haga aquí un poco forzada, es de esas canciones que cuando las oyes plastificadas tienes la absoluta seguridad de que ganan sobre tabla. Pasa un poco con todo el disco, pero se acentúa para mí en este retorcido agradecimiento. Kahuna sería una broma si Fuckaine se tomaran en serio. Puesto que el rebose de talento les resta a Dios gracias trascendencia, la broma no cuela como tal, aunque se esfuercen. Las diferentes waves han hecho mucho daño y nosotros se lo agradecemos, no podía ser de otro modo. Casi sin darnos cuenta se nos está acabando el disco. La enloquecida Bionic Lobsters es tan extraña como adictiva. Magnífica. Japanese cuesta también un poco al que esto escribe. No me termina de atrapar, probablemente por comparación con lo anterior. Tras una decena de bofetadas (nueve si excluimos Get Fit), los pellizquitos incordian menos. Suerte que para el cierre reservan una pieza del calibre de Sun Goes Down. Apreciable en su aparente candidez, esconde toneladas de matices. No es a mi modo de ver lo mejor de TContagious pero no desentona para nada.

Tras la degustación, pausada, solo me queda una duda, una inquietud casi. Después de marcarte un primer disco como este, ¿qué te queda por hacer? No parece posible repetir la jugada, no a este nivel. Pero sí tengo claro que de suceder, ha de ser en el seno de Fuckaine dónde acontezca. Mientras esperamos, nos queda la vuelta. Desde Cristales. Una y otra vez.

NUEVO VIDEO CLIP DE THE DARK SHADOWS: NOBODY KNOWS

12/5/14
The Dark Shadows – Nobody knows:





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MIAZMA: Miazma (Gothic Music Records 2013)

11/5/14
Escuchar a Miazma no es volver al gótico de los noventa, si no la continuación de este. Su música recuerda a The Sisters of Mercy, influencia altamente notable muchas de sus canciones, aunque sin dejar de imprimir su estilo propio que los convierte en una continuación de más que en una copia.

Para su primer cd físico (toda su música está disponible en digital) han seleccionado con un estupendo criterio las canciones para englobarnos su trabajo y engancharse a nuestros cerebros.

Las cinco primeras canciones, no incluidas en los discos anteriores, nos abren a lo que son Miazma, goth rock de la antigua escuela con guitarras “tradicionales” a la vez que electrizantes, sintetizadores, teclados y melodías oscuras y bastante pegadizas.
“Lorelei” y “Soft Touch” , las canciones que abren el cd, son una clara muestra de la influencia del grupo de Eldritch; “Dancing on my grave” es una increíble canción oscura, cañera y pegadiza a más no poder; “I want to know” y “Sing” nos devuelven de repente a los sintetizadores ochenteros adaptados a ahora. Rememora, pero no es, estilo que personalmente, me gusta especialmente.

“More”, impresionante,“Walk Away”, “Mine” y “Dressed in black” pertenecientes al disco del mismo nombre, son una estupenda combinación de lo que Kristian Olofsson es capaz de hacer con las guitarras, sintetizadores y las trabajadas y oscuras melodías de sus canciones, combinando sonidos diferentes para cada uno de los temas.

“Black rain”, “My misery”, “Breathe” “Penelope Crush” y “Mary gone bad” , las canciones elegidas para este recopilatorio del disco “Dollar Rush” son una perfecta muestra de su sonido más oscuro donde las guitarras, decadentes y potentes tienen todo el protagonismo en las canciones sin dejar ese sonido retro-actualizado que marca la música de Miazma.

Y es que pese que a como recopilatorio está concebido “al revés” (empieza con sus canciones más nuevas para retroceder en el tiempo), la línea y el estilo del grupo, su evolución, digamos, ha sido tan buena que el disco es genial escuchado del derecho y del revés.

Así con “Endless sleep”, “Will I” “is this the end” “Lost” y “Rise” del álbum “Shattered” volvemos al útero del grupo con sus primeras creaciones, mucho más oscuras e influenciadas por el industrial alemán; y además agradezco que no hicieran caso al título de este (Destrozado) y siguieran componiendo música.

Es un buen recopilatorio, tanto en extensión como en calidad, rock gótico de siempre, con diferentes texturas y sonidos pero adaptadas a su propio estilo y a este tiempo. Muy recomendable si buscas algo que te recuerde a, pero no sea.

Texto: Chatarrera Nórdica


Como de costumbre, este disco y el resto de los del sello los puedes adquirir vía Gothic Music Records o a través de nosotros. O por supuesto enviando un correo electrónico a laletracapital@hotmail.com.

NOMADA SESSION 20: SABADO 17 DE MAYO DE 2014: PRESENTACIÓN OFICIAL DEL NUEVO EP DE THE ANGELS OF LIBERTY: TOUCH THE DAEMON

8/5/14



ANA CURRA - EL ACTO. 13 Y 14 DE JUNIO EN MADRID

6/5/14



THE SPIRITUAL BAT: Mosaic (Danse Macabre 2014)

4/5/14
The Spiritual Bat son Darío Passamonti (música y arreglos) y Rosetta Garrì (percusión, letra y arreglos). The Spiritual Bat (evolución de “The Spiritual Bats”, grupo que fundó Passamonti en 1992 junto a Matteo Bracaglia) , pretendía inicialmente ser sólo música instrumental hasta que Rossetta decidió ponerle letra a las canciones, cosa que personalmente agradezco porque nos hubiésemos quedado sin disfrutar de su maravillosa y potente voz que ya pudimos escuchar en Cruel Machine pero que en este disco estalla en su máximo esplendor en cada canción.


Mosaic arranca con fuerza, con la canción que da título al LP y que ya enseña desde el primer compás lo que va a ser el disco entero : potencia, mucha percusión (como era de esperar) y la increíble voz de Rosetta, que engancha desde el primer momento. Ya sólo escucharla una vez provoca las ganas de querer seguir con el disco entero.

Con Of Breath and Vells acaba de atraparte su camaleónica voz, aquí trágica y profunda en una fusión perfecta con el resto de los cuidados instrumentos, en especial con la guitarra. Y aún estás saboreando esto, cuando We are Born We live We Die te devuelve la potencia y fuerza, que no se pierde en ningún momento del disco pero que en esta canción inevitablemente despierta el gen gótico noventero y lo llena de adrenalina, devolviendo la serenidad justa después del subidón con la profunda So Proud; esta prepara la atmósfera perfecta para que con Linfo te den ganas de montarte un aquelarre (y ponerla en modo repetición todo lo que este dure), con una combinación perfecta de coros, guitarra dramática y el hipnótico sonido de la percusión esenciales para tal evento.

Siguiendo la linea, Hypnotic hace lo propio que indica su título (si aún todas las canciones anteriores no lo habían hecho); If I were a flower está llena de sonidos exóticos, siempre en perfecta comunión con los diferentes registros que es capaz de alcanzar en una misma canción la (me reitero) maravillosa voz de Rosetta, que con la fascinante atmósfera oscura que envuelve a Blown Away en una sintonía perfecta entre voz, guitarra y pasión, cierran el disco con la impresionante y sombría Death March que me gustaría que sonara en mi funeral.

En resumen, el título del disco es sin duda una descripción de lo que te vas a encontrar dentro, un mosaico de reminiscencias del rock gótico de los 80-90, con evocaciones imprescindibles a Siouxie o Christian Death, fabulosos riffs de guitarra y una percusión tan cuidada como atrayente, unidos todos en perfecta comunión con la voz y letras de Garrì, de tal manera que que sentirás unas ganas salvajes de volver a escucharlo según termina.

Texto: Chatarrera Nórdica