HAR BELEX: Chandelle (Caustic Records 2014)

30/12/14
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Har Belex (Piedra Negra en aquitano) sacaron hace unos meses un split con Fragile donde ya lograban en solo tres canciones emocionar y transmitir un sinfín de sentimientos. Luego tuve la oportunidad de verlos en Madrid con Oniric y Rome y volvieron a sorprenderme gratamente. Por todo esto, esperaba ansiosamente este Chandelle que, suponía, refrendaría lo anterior. Me quedé corto en las expectativas.

Lo primero que llama la atención es el precioso (de nuevo) diseño del CD -comentamos esta edición, también esta disponible en vinilo dorado-: digipack tamaño dvd con el precioso diseño de Stillme y un libreto de dieciséis páginas que incluye fotografías alegóricas de cada tema, letras y créditos. Todo muy cuidado y con un gusto exquisito.

Lo importante, no obstante, son las canciones. Once, concretamente, repiten Pathways y Freedom del Split aunque regrabadas y ligeramente distintas. Cantadas en vasco, castellano, inglés y alemán, según cada tema necesite y la verdad es que semejante torre de babel lírica se ve plenamente justificada en cada ocasión. Veamos a qué me refiero.

A Ray Of Moon es el primer corte y es sin duda el mejor de todo el CD. La participación de David Sagastume en el cello (una constante en casi todas las canciones) aporta el empaque y la dulzura de las cuerdas a un precioso ejemplo de neofolk del de guitarra acústica. La profunda voz de Salva Maine hace el resto. Una de esas canciones que no te cansas de escuchar. Annual, el tema siguiente, es sin lugar a dudas el mejor de todo el CD. La letra en castellano transmite toda la desesperación de una víctima de la guerra, un soldado involuntario, un elemento que sacado completamente de su entorno se encuentra descolocado, sin saber muy bien que hacer. Y dicho entorno: arena, sol ardiente, sequedad infinita y el contrapunto en la noche en soledad, fría y triste. El horror de una guerra que es injusta como pocas, absurda como todas. Impresionante en cada acorde. Preciosa y terrible. La conocí en directo en el concierto antes citado pero me ha provocado más escalofrío en estudio, mira que ya era difícil.

Der Akelbetz, en alemán claro. Guitarra acústica y percusiones de aire marcial, pero sin exagerar. Melodías de toque medieval. El macho cabrío negro de la tradición vasca, el viejo numen. No me cabe duda, el mejor tema del disco. Sensibilidad y elegancia al cien por cien. Como en Madmen In Wasteland. La guitarra y la percusión dirigen la canción. Rítmica, más fuerte que las anteriores pero con una delicadeza formal y una belleza impresionante. Curioso el efecto en la guitarra, poco usual en este palo. La mejor pieza de Chandelle. Sin duda. Tras ella aparece la conocida Pathways. Un precioso canto a la naturaleza, lleno de pegadizas melodías. Evocadora, muy bonita. Probablemente sea la mejor del CD. Pero llega Basoan y te rompe los esquemas. Oscura y dulce tonada, más profunda aún la voz, el idioma (vasco) te mete de lleno –pese a no entenderlo- en un sencillo arreglo de guitarras acústicas con aderezos puntuales eléctricos, tan bonito como efectivo. Seguramente estemos ante la mejor canción de las que componen Chandelle.

Springtime recoge un poco el testigo de Pathways en cuanto al culto a la naturaleza y al ancestral nexo que nos une a ella. Una pieza de amor a lo rural, a lo sencillo, a lo cotidiano. Cotidiano como el paso de las estaciones, sencillo como los niños corriendo o el viento agitando los campos de cereal. Con un cierto deje amargo, con ese poso de darte cuenta que es algo que poco a poco se va perdiendo. Los sonidos de la primavera, una maravilla de cinco minutos, los mejores del plástico. Six Am es puro dark folk, original y creativo, magnífico. Del bien hecho además. Marcando cuales son las raíces del dúo pero sin perderse en imitaciones de ningún tipo. Líricamente es una pasada, si tienes ocasión fíjate en la letra. La mejor pieza del CD sin duda ninguna. Freedom era también conocida del split. Melancólica, con el cello dibujando sobre la percusión también un poco marcial. Estupenda, no quieres que acabe y menos como lo hace. Tremendo final para la que es sin dudar la mejor del disco.

Edificios Anónimos es además de la mejor del CD, una de mis preferidas. Tanto la letra (adaptada del poema de Kepa Murua) como la música me parecen francamente increíbles. Inquietante, hace pensar. Pero esto no le resta un ápice de belleza. Todo lo contrario. Ácida también, deja un cierto regusto en la boca. Civilización en ruinas. Absurda y enferma. Como la que narra Gernika. Más experimental musicalmente que el resto, trata de reflejar la barbarie y la sinrazón, el horror del bombardeo, las secuelas. Lo consigue. Estremecedora como pocas, es un corte perfecto, acertadamente corona y cierra Chandelle. Como debe ser, termina con la mejor canción de todas.

Chandelle es un trabajo magnífico. Tanto Manix S. como Salva Maine, cada uno en lo suyo, consiguen hacer un disco absolutamente imprescindible para cualquier aficionado no ya a este género, sino a la música en general. No soy dado a hacer listas de los mejores discos del año, cada uno (me parece) tiene su momento y su lugar, pero si las hiciera, Chandelle habría destrozado cualquier lista que hubiera hecho. Es realmente impresionante el nivel, tremendas las composiciones, perfectas las ejecuciones, los arreglos, la producción. No le puedo poner pero alguno. De verdad. Para mí es de lo mejor que he escuchado no solo en 2014, es lo mejor en muchos muchos años.

GODLESS PROCESSION - Godless Procession (Gothic Music Records 2014)

27/12/14
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Godless Procession son un grupo mexicano fundado en 2010 en Guadalajara, formado por músicos que siempre han estado en la escena dark de la ciudad en otros grupos dentro del género durante más de una década. Son muy teatrales en sus representaciones,( no hay nada más que ver la portada del disco para hacerse una idea) lo que les hace extremadamente llamativos, y han sido teloneros de grupos como Christian Death, Combichrist y en Noviembre de este mismo año, Clan of Xymox.


Influenciados por grupos como Bauhaus, Sisters of Mercy o Alien Sex Fiend entre otros, Victor Hugo Barón en la voz, junto a Rodolfo Cueva (bajo), Victor Guerrero (batería) y César Eskalante (guitarra y teclados) nos presentan este primer disco de Godless Procession y sus 12 cortes (10 originales + 2 mezclas) que quieren hacernos explorar el lado más oscuro del subconsciente.


Las letras de siete de los temas son adaptaciones de poemas del libro “Sacrificio” de Susana Segovia, adaptadas por el propio cantante.


Secreto Perverso es el primero de esos poemas hechos canción, y que ya con el grito de entrada te abre todos los sentidos para hacerte partícipe de ese secreto a través de la profundísima voz del cantante y la música, muy “gótica”: si la música pop te hace mover la cabeza como si fueras un péndulo de un lado a otro, el rock te hace moverla de arriba abajo, las melodías de Godless Procession ayudan a sacar toda tu teatralidad danzarina. Y mola, para que negarlo. Mil Noches, es uno de los temas de composición propia, donde esas mil noches son de pasión, lujuria y desenfreno que las vuelven mil veces más sórdidas gracias al impresionante sonido del bajo que envuelve toda la canción. En Verbo Encarnado, es la guitarra la que hace la función principal junto a la voz del cantante de reprocharle a Dios su existencia (se declaran profundamente ateos; en la explicación de su logo así lo muestra: Se pretende mostrar estar abierto (círculo dividido) a todo el conocimiento de uno mismo, el mundo y el universo mayor. El círculo abierto completa un ojo que es mostrar la observación y el estudio de todas las cosas, como en el método científico. El círculo cerrado representa uno mismo, así como un cerco abarcando el universo circundante.)

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Esencia de Fuego, es simplemente alucinante. Como debo decir algo más, es un aquelarre, si tuviera una secta se la pondría de fondo a mis acólitos mientras les hago consumir peyote antes de que se suiciden en masa, es magnífica. No tengo fe en ti es otra de esas canciones en las que la guitarra es la que acompaña principalmente a Victor Hugo en otra de sus ateas proclamas, que no era para sorprenderse si ya lo dejan claro en el título. Aunque en cada una de las canciones sea un instrumento el que tiene el peso principal por decirlo de alguna manera, el conjunto en sí es impecable, se notan los años en la escena más oscura mexicana de cada uno de sus músicos y sin dudarlo en conjunto han conseguido un sonido impecable.

La Espera es una canción que a mi especialmente me resulta divertida. Un determinante personal, vamos, completamente subjetivo, que me hace saber si una canción me ha gustado de verdad, es que me monto una escena en la cabeza, la utilizo “para algo”: con Esencia de Fuego quería tener una secta y envenenar gente, y La Espera me parece la banda sonora perfecta para torturar a lo Reservoir Dogs mientras la cantas a esa persona impuntual a la que tienes atada a una silla y quieres mutilarle algo por hacerte esperar. Sí, Godless Procession sacan la sádica que hay en mí a borbotones, y eso me gusta mucho, cuando la música te revuelve la adrenalina es buena señal.

Después de incrustar relojes en sienes ajenas, es necesario bajar un poco esa adrenalina y Hace Falta es esa canción; con la batería del comienzo y un teclado predominante que suaviza el sonido duro en general que tiene el disco, podríamos considerarla la más “dulce” de todas las canciones, sobre todo por la letra en comparación con el resto, todas ellas poemas excepto las indicadas. Me gustaría leer esas poesías sin la música, porque me da la impresión que estos muchachos son tan buenos a la hora de hacer lo suyo que serían capaces que sonara tremendamente oscuro un relato de Corin Tellado.

El Principio es la antesala del final del disco, con todos los instrumentos en perfecta armonía gótica oscura y resto de adjetivos al uso, para cerrar este gran disco con Nosferatu, el otro tema con letra original del cantante, de la que poco quedaría que decir si el título lo explica todo, que es tan buena como el resto.
Sin duda escuchar a Godless Procession asegura un buen rato y espero que crucen el charco para poder verlos en directo.

Texto: Chatarrera Nórdica

Como ya sabes este disco y el resto de los del sello los puedes adquirir vía Gothic Music Records o a través de nosotros. O por supuesto enviando un correo electrónico a laletracapital@hotmail.com.


THE RIP: The Rip (SwissDarkNights 2014)

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Llevamos ya unos añitos con un cierto revival de estilos que fueron importantes (dentro de la música oscura) hace un tiempo. Así, proliferan grupos haciendo un remedo más o menos sonrojante del pop oscuro ochentero (con Echo & The Bunnymen o The Chameleons a la cabeza), otros se dedican con mayor o menor fortuna a fusilar la coldwave, especialmente la francesa, los hay que se atreven a resucitar el gótico de guitarras de los noventa… Dentro de todos estos, obviamente, los hay que lo hacen bien, que asimilan esas influencias y las digieren y escupen con creatividad propia y otros que no, que se limitan a copiar sin vergüenza alguna. Los segundos solemos obviarlos en estas letras, de los primeros hemos intentado dar muestra en varias ocasiones últimamente. Digo todo esto porque lo primero que me vino a la cabeza con estos The Rip, es que tenía que rápidamente decidir a cuál de los dos grupos pertenecían, si a los influenciados que consiguen trascender éstas y sonar creativos o a los copiadores sin escrúpulos. Y el caso es que después de escuchar atentamente y varias veces el disco, he llegado a la conclusión de que realmente no puedo meter a The Rip en ninguno de los dos subconjuntos.

El dúo italiano (Tommaso Meneghello, también en nuestros queridos And We Were Shadows y Michelangelo Rossato) debuta con un disco homónimo que bebe de tantos sonidos que termina por no parecerse del todo a ninguno. En The Rip hay pinceladas afterpunk, hay pop oscuro (del citado), hay coldwave, hay siniestrismo ochentero, hay teclados, hay toques góticos, hay alguna canción con aroma deathrock… en fin, hay de todo. Lo mejor de todo es que esa mezcla está muy bien llevada, muy bien ensamblada, el disco huele a todo lo dicho pero como no se queda en nada de ello solo, pues resulta sugestivo y “distinto”. En general, todos los temas se mueven en un tempo similar, en la gelidez de una wave triste y melancólica. Por ejemplo, Deadline Reached es bastante postpunk en estructura, especialmente el bajo y empieza ya a bajar la temperatura. Fall Apart tiene también en el mismo instrumento su principal baluarte y aunque intenta imprimir un ritmo más vivo, sigue destilando tristeza por todos lados. Oscura y gris, fría, muy fría. Autumn no es más cálida. Seguimos con los temas plomizos, neblinosos, suena a fina lluvia otoñal, helada. Hidden recuerda a la trilogía curera depresiva. Culpa, otra vez, del sempiterno bajo. O del doble bajo, pues todo el tiempo suenan en dos líneas melódicas. Impresionante el trabajo ahí, la verdad. Point Of No Return es algo más rápida, lo que no significa más animada. Oscura, acelerada por la caja de ritmos, con la rever de la voz más acusada… gran tema. The Things That Shouldn’t es otro de los puntos álgidos del disco. Las cuatro cuerdas manejando a su antojo, perfecta. Your Shadow me recuerda en su inicio de hierático ritmo a unos Ultravox infinitamente más oscuros. Lenta, densa, glacial, triste… el tema perfecto para una fiesta, de las que nos gustan por aquí. O para cortarse las venas, también. Y mira que el teclado intenta evitarlo pero lo consigue muy muy a duras penas. Se aprecia el gusto por bandas del palo de Joy Division pero más en la intención que en la sonoridad, no hay tanto nervio aquí como en los de Manchester. Of Ice And Stone también abunda en el teclado, ese que te hace retroceder en el tiempo treinta años. En gris todo. Marengo. Es tal vez la pieza más bailable de todo el disco, sin resultar por ello menos triste. In Times Of Need cierra el CD. Y resume un poco todo el repertorio. De nuevo el frío, de nuevo el desasosiego, de nuevo un corte densísimo, oscuro y magnífico. Otra vez la constatación de hasta dónde The Rip son tremendamente sugestivos, atractivos como cuchillas.

Últimamente en Italia no hacen más que aparecer proyectos interesantes, muchos de ellos centrados además en la parte más oscura y melancólica de la influencia ochentera. Los amantes de los bajos pastosos, las voces con eco, los ritmos lentos, la tristeza infinita, el otoño y el invierno, el gris lápida, la niebla o la llovizna helada, estamos de enhorabuena. The Rip son otro ejemplo de todo esto cuando está bien hecho, otra muestra más que de “Music to die for” (que también), “Music to die with”. Muy recomendables.

Recuerda que lo puedes adquirir vía SwissDarkNights o a través de nosotros. O también enviando un correo electrónico a laletracapital@hotmail.com.


LALETRACAPITAL PROUDLY PRESENTS: LALETRACAPITAL PODCAST, STARTING JANUARY 9 (ENGLISH VERSION)

26/12/14
Since the beginning, eleven years ago, in laletracapital we have tried to promote and raise those artistic expressions that seemed interesting to us. Within them, music has been the principal. Over time, we've noticed that everything has changed a lot and nothing is like it was back in 2003. Internet has modified many things, like our perception and way of approaching the bands and their albums. It has changed the way to consume music and enjoying it, and in letracapital we have tried, with varying success, to get used to this changes. Therefore we decided (without leaving behind news, reviews, concert reports, interviews or articles) to get involved in this new project:


LETRACAPITAL PODCAST
(starting friday January 9)

We will make a weekly one-hour-long "program" in which we will be trying to review the albums that are brewing at the moment without putting aside past times. Every now and then we will make some "specials": themed programs dedicated to a group, to a "concept" or to anything. We plan to broadcast sound recording interviews too, and just as the time passes, we wish to see the podcast growing and evolving. Only the first intention will be retained, which is to support the bands we like.

We will publish HERE every friday, at eight in the evening, a new podcast. And in a few months we will make a new webpage where we'll get together all programs. Only time will tell everything else.

WELCOME

Chatarrera Nórdica y Avatar


LALETRACAPITAL PROUDLY PRESENTS: LALETRACAPITAL PODCAST, A PARTIR DEL 9 DE ENERO

Desde el principio, hace ya más de once años, en laletracapital hemos intentado promocionar y dar a conocer aquellas manifestaciones artísticas que nos parecían interesantes. Dentro de ellas, la música ha sido sin duda la principal. Con el tiempo nos hemos ido dando cuenta de que todo ha cambiado mucho y nada o casi nada es como era en 2003. Internet ha modificado muchas cosas, ha cambiado nuestra percepción y manera de acercarnos a los grupos y a sus discos. Ha cambiado la forma de consumir y de disfrutar, y en laletracapital hemos intentado, con mayor o menor éxito adaptarnos a esos cambios. De ahí que hayamos decidido (sin dejar de lado ni noticias, ni reseñas, ni crónicas de conciertos, ni entrevistas o artículos) embarcarnos en un nuevo proyecto:


LALETRACAPITAL PODCAST
(a partir del viernes 9 de enero)

Realizaremos un “programa” semanal de alrededor de una hora de duración. Un programa en el que trataremos de repasar los discos que se estén cociendo en ese momento sin por ello dejar de lado tiempos pasados. De vez en cuando, haremos especiales: programas temáticos dedicados a un grupo, a un “concepto” o a cualquier otra cosa. También tenemos intención de emitir entrevistas en audio y, en fin, según vaya transcurriendo el tiempo, esperamos que el podcast irá creciendo, evolucionando, etc. Solo se mantendrá la intención inicial, la misma que la de la web: servir de soporte y promoción a los grupos que nos gustan.

Publicaremos AQUÍ cada viernes, a las ocho de la tarde, un nuevo podcast. Y en unos meses haremos una página propia dónde reuniremos todos los programas. El futuro dirá y os contará todo lo demás.

SED BIENVENIDOS

Chatarrera Nórdica y Avatar


CURTIS (JOY DIVISION TRIBUTE BAND) EL 17 DE ENERO EN BARCELONA

21/12/14


KALTHERZIG: Greatest Lovesongs vol. 777 (Cold Insanity Music Records)

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No voy a negar que pensé que el Sr. Avatar me estaba tomando el pelo cuando me dijo “tengo un grupo bielorruso para ti” , pero era cierto. Minsk have goths too. Kaltherzig (“Corazón frío” en alemán) , es un grupo synth-goth/darkwave creado en 2008 por Alexander Krupp, que en 2011 lanza The First Cold, un disco “acerca de la frialdad que a veces hay en nuestras almas” como explica en su álbum tráiler, y en 2014 junto a algunos colaboradores/amigos como Nika Noname, nos presenta este “Greatest Lovesongs vol. 777” dándole ese carácter divertido ya en el título con el que se definen que tienen también.

Vamos a ver si nos enamoran las canciones.

Angels, sintetizadores y batería, Nika y Alex a la voz , letra oscura y suplicante, de primeros amores góticos oh dios mío (bueno, ángel en este caso) porqué me pasa esto a mi, si no la quieres interpretar en el sentido divertido, es una buena canción oscura en letra y ejecución y que habla sobre la apocalipsis de nuestras almas.

Nameless Tomb, empieza envolvente y cálida gracias al sonido de los sintetizadores y se sigue manteniendo con la voz , piano y batería perfectamente incorporada a lo largo de todo el disco, consiguiendo que esta tumba sin nombre llegue a resultar acogedora.

Para Cross The Night abandonamos el tono completamente oscuro para retroceder a ese sonido primigenio de los sintetizadores ochenteros, otra vez acompañado de Nika, que la convierten en una canción bastante movida y bailable pese a que pretendan que nos escondamos porque la noche se acerca y vienen a buscarnos otros seres. Me gusta el tono simpático que desprende esta canción.

Pero para tener una de cal y otra de arena, nos toca cortarnos la venas con Sweet Suicide, una preciosa canción que podría ser interpretada por el mismo Martin L. Gore. Bonita y triste, perfecta para tirar de cuchilla en la bañera.

Pale Guest, suponemos que por la pérdida de sangre en la canción anterior, es oscura en la letra, forma y ejecución, profunda y muy cuidada y la base rítmica a base siempre de ese sonido sintético y la batería que te envuelve hasta dejarte sin energía, pálido.

Black Celebration, versión del clásico de Depeche Mode con más sintetizadores y algo más rápida que la original, sin llegar a la profundidad de los “Tonight” del señor Gahan, la damos como homenaje aceptable al grupo.

Long to live, es una bonita historia de romances crepusculares que rompen sus cadenas, donde la voz de Nika endulza una melodía oscura , melosa y opaca a la vez, que te seduce de una manera u otra dependiendo de cuál de las dos voces cante, siempre acompañado de la batería como arma de seducción.

Funeral of Lovers es una muy buena versión de la canción de HIM, también a dos voces, que reconoceré que me ha gustado más que el original.

Let you die nos devuelve, con una larga intro, a ese sonido ochentero lleno de arreglos y efectos robóticos, sin dejara un lado la batería, perfectamente integrada como ya comenté antes en todo el disco. No es una gran canción en cuanto a la música, aunque la combinación con su atormentada letra resulte incluso divertida.

Y cierran este sorpresivo, divertido, entretenido y diferente álbum con Distant Love, una preciosa balada en ¿polaco? ¿bielorruso? (google no ha sabido determinarme cuál era) que engancha tanto por la música como por las voces y el idioma, nuevo para mis occidentales oídos góticos. Confesaré que la primera vez que la oí pensé que si la reproducía al revés, la escucharía en perfecto inglés. Mi favorita.

Resumiendo, si te gusta el sonido synth - darkwave, las letras oscuras y melancólicas a la par que dulces y cálidas, no dejes de darle una oportunidad a Kaltherzig porque te harán pasar un buen rato y seguro que incluyes alguna de sus canciones en tu cinta tdk “Varios Góticos Románticos Vol II”.

Texto: Chatarrera Nórdica


CURTIS (JOY DIVISION TRIBUTE BAND) EL 16 DE ENERO EN MADRID






RAKTA + RATA NEGRA, 20 de diciembre de 2014, Sala Rock Palace, Madrid

20/12/14
Hace casi un año descubrí por medio de un gran amigo, a RAKTA, cuatro chicas de Sao Paulo, muy jóvenes y que llevaban bajo el brazo un estupendo vinilo de 6 temas. Realmente este disco suena espectacular, con lo que cuando anunciaron su extensa gira por medio mundo (Estados Unidos y Europa), sabía que no podía perderme el gran concierto que a buen seguro nos ofrecerían.


Había muchas ganas de verlas y en las últimas fechas del año 2014, se dejaron caer por Madrid, para presentarnos su disco de 2013 y su reciente y magnífico 7’’.

El 20 de diciembre era la fecha elegida. En un principio me imaginaba que la sala estaría a rebosar (y es que Rock Palace no es demasiado amplia…), pero la fatal coincidencia de 3 interesantes conciertos ese mismo día en la capital y en locales muy separados unos de otros, hicieron que gran parte del potencial público se repartiera entre los 3 eventos, que se solapaban en cuanto al horario impidiendo que se pudiese asistir a más de uno de ellos en la misma noche. Había pues que elegir, y no tuve la más mínima duda, pues llevaba meses esperando escuchar en directo a esta fabulosa banda brasileña.


La noche en Rock Palace sed presentaba como una “noche punk” con dos bandas de Madrid como teloneras de las brasileñas, bandas completamente desconocidas en directo para mí y de las que había escuchado algunos temas en sus respectivos bandcamp. A última hora, y por enfermedad de una de las componentes de Sección Femenina, el concierto se reduciría a Rata Negra (con componentes de La Urss y Juanita y los Feos) y Rakta.

Cierto es que Rata Negra sonaron especialmente bien: buena voz, arropada por los agresivos y sucios sonidos de la guitarra y una contundente batería. Concierto breve y algo frío por parte del público, aunque muy correctamente ejecutado por el trío, al que habrá que seguir la pista y ver lo que nos ofrecen en un futuro.

Algunos minutos más tarde y con la sala prácticamente a oscuras y con un intenso aroma a incienso, aparecían en el escenario las componentes de RAKTA para dar comienzo a su particular ritual chamánico. El público (heterogéneo y más numeroso de lo que yo esperaba en un principio…) se mostraba impaciente por escuchar el directo de un disco que tuvo muy buenas críticas en la prensa especializada, y por supuesto no defraudaron. Efectos de Delay en la voz, guitarra distorsionada y una batería muy potente con unos ritmos básicos pero tremendamente efectivos. Temas como “Run to the Forest – Repetititon” y “Life comes from Death”, magistralmente ejecutados fueron algunos de los punto álgidos de un concierto que se me hizo demasiado corto, pero que tampoco se puede ni se debe “estirar” innecesariamente, dada la corta y fulgurante carrera discográfica de estas cuatro chicas (un 12’’ y un 7’’, de 6 y 2 cortes respectivamente). Los temas se iban solapando unos con otros, dando una estructura y sensación de continuidad entre todos ellos. Sobrias, excepcionales y con mucha fuerza. Un ritual místico y pagano que recreaba un ambiente psicodélico con influencias de muchos y variados estilos musicales.

En definitiva, un concierto sobresaliente de estas cuatro brasileñas que no defraudó a los que deseábamos escuchar todos sus temas en directo. Ahora queda esperar qué nos van a ofrecer en un futuro que deseamos no sea demasiado lejano y sobretodo, agradecer su buen hacer en directo, su fuerza sobre el escenario y, como no, su detalle en forma de regalo al finalizar el concierto. Gracias, Rakta.

Texto: Jesús Der Erzengel
Fotos: Avatar




NFD: Waking The Dead (Jungle 2014)

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50131452115265013145211526 (1)NFD han tenido que lidiar desde siempre con el sambenito de venir de dónde vienen pese a llevar ya diez años en la escena gothic rock internacional. Como otros, arrastran las inevitables comparaciones con las bandas de procedencia de sus miembros (la herencia nephiliana, la sombra es alargada) y, también como la mayor parte de los otros, han sabido superar esto fundamentalmente haciendo lo que mejor saben: discos soberbios. El mes pasado vio la luz el que es su quinto disco (si contamos Reformations pese a ser un miniLP) y, otra vez, demuestran ser una banda que trasciende etiquetas, comparaciones e influencias. Una vez más, con este Waking The Dead, confirman lo que ya sabíamos: el gothic rock no ha muerto. Vive en bandas como Noise For Destruction. Como viene siendo costumbre últimamente, intentemos poner en palabras lo que nos sugiere cada tema:

Waking The Dead se inicia con el tema homónimo. Los ingredientes son los habituales, largos pasajes guitarreros, apoyados por los teclados, sostenidos por el bajo y con la voz profunda y rasgada de Peter “Bob” White regalando empaque. Un tema que empieza con un cierto relajo pero que pronto estalla en una orgía gótica y oscura, en una fiesta con todos los elementos que los que amamos este tipo de música deseamos encontrar en una canción. Bien producido, con la solvencia instrumental habitual, un ejemplo de lo mejor que te puedes encontrar. Música de género. Muy bien hecha, clarostá.

Got Left Behind se estructura similar pero es más rápida de ejecución. Cabalgan guitarras (gran trabajo ahí, con Milden y White en estado de gracia) y bajos al ritmo que marcan Petitt y Mazzucconi. Puro rock gótico, pegadizo, épico. Pura esencia, casi sientes el polvo en la garganta. Dramático, uno de esos cortes que deseas escuchar en directo. Spiral mantiene la tensión, siguen supurando las guitarras, siguen machacando bajos y batería, sigue la garganta desgarrando letanías. Siguen NFD enseñando a los neófitos el porqué de su pegada, la razón de que los aficionados esperemos con impaciencia cada nuevo lanzamiento. Uno de mis preferidos del CD, que ya es decir, el nivel es realmente alto.

Let You Fall cuenta con Ali de Morgoli añadiendo teclados. Es una de esas piezas en medio tiempo, preñadas de melancolía y de fuerza contenida, que se van desatando durante todo el metraje, pero que no terminan de estallar nunca. De vuelta del final, de vuelta de todo. Anticipando otro de los pelotazos de Waking The Dead, Red Sky Burning. Cuenta con los solos de James McIlroy en la guitarra solista (ex Cradle Of Filth), lo que podría dotar al tema de heviorradas indeseadas pero no es así. Lo que hace es acentuar una fuerza en las seis cuerdas inusitada, acelerar la canción hasta cerca del límite pero sin sobrepasarlo nunca. Mantener esa tensión puramente gótica, puramente oscura, puramente… genial.

El contrapunto viene de la mano de The Great Divide. El bajo prepondera y manda. Galones, dicen. Riffs marca de la casa y drama épico, cuasi legendario, se mastica la canción en los seis minutos largos que dura. Rock oscuro y siniestro, impresionante el final, además. Pero si The Great Divide es contrapunto, Evermore lo es más. Acústica, guitarra y teclado mandan. La voz demuestra tesituras no alcanzadas antes. Recuerda a los Mission cuando eran quienes fueron, en su misma naturaleza. Sencillamente sobresaliente, se hace cortísima.

En Return To Dust vuelve el amigo McIlroy. Otra pieza llena del mejor gótico que se pueda disfrutar hoy día, repleta de buen gusto y mejor saber hacer. Lo bastante bailable para ser eterna, lo bastante escuchable para no necesitar bailarla. En The Silence Of The Angels volvemos a los cortes de siete minutos. Quizá en esos metrajes sea donde se muevan mejor NFD, quizá ahí es donde más fácilmente puedan desarrollar esos crescendos que los han colocado donde están, tal vez ahí sea donde se pueden desenvolver las espirales sónicas llenas de creatividad y oscuridad propias, además, del género. No lo sé. Sí que sé, no obstante, que The Silence Of The Angels es una canción como la copa de un ciprés, de una profundidad infinita. Without End es, lamentablemente, una especie de oxímoron en sí misma, dado que es la que cierra el CD. Un epílogo atmosférico, perfecto colofón a la descarga anterior.

Waking The Dead es un magnífico ejemplo de ortodoxia cañera, de creatividad con raíces, de calidad compositiva e interpretativa, de disco bien hecho en definitiva. Podría haber sido un disco más en la carrera de los ingleses, podrían haberse limitado a continuar donde se quedó Reformations o incluso, haber repetido esquemas, haberse copiado a sí mismos cien veces (como hacen y han hecho tantos) pero entonces estaríamos hablando de otra cosa, de otro grupo, de otra gente. De otro disco.

PARALITIKOS, 20 de diciembre de 2014, Sala Wurlitzer Ballroom, Madrid

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Hacía ya un par de años que los veteranos Paralítikos no tocaban en Madrid. Ésta vez era algo especial, ya que venían celebrando su 25 aniversario. Sinceramente, hoy en día es bastante improbable encontrar una banda de estas características que haya soportado el paso del tiempo tan bien, desgranando su death rock siniestro por donde se les quisiese ver.
Los Paralitikos 2015 están formados por el incombustible Ricardítiko y Elizia, ya que el ex-Parálisis Permanente Rafa Balmaseda tuvo que abandonar la banda para ocuparse de su reciente paternidad, aunque, no obstante, esperamos poder verle pronto de nuevo con ellos.

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Como preámbulo, Nico Deadwax se encargó antes del concierto de pinchar un poco de música de lo más variado, como acostumbra, siempre dentro de los cánones que requiere un evento de tales características.

Más o menos a las 23:00h, según lo previsto en el programa, saltaban a la palestra los Santanderinos, dispuestos a no dejar títere con cabeza. El público no era muy numeroso, pero demostraron ser seguidores acérrimos de la banda, cantando cada estrofa con igual intensidad que el propio cantante. Como elemento sorpresa, iban a tocar algunos temas nuevos, que estarán incluidos en el nuevo disco que están preparando, entre los que estaban “Cenizas” y “Los Zombies invaden la ciudad” con un sabroso aire a The Cramps que les pegaba más que bien.
Desde luego las nuevas canciones suenan 100% Paralitikos, con esa vehemencia característica, pero indagando en otros estilos, dejando buenas expectativas para el nuevo disco que será editado en algún momento del próximo año. Seguro que va a ser su mejor trabajo, y eso que superar “La senda de los antihéroes” es ya difícil, tanto en sonido, como en calidad de temas y arreglos.
Comenzaron tocando algunos de sus clásicos “Paralitikos”, “La motosierra”, “No puedo evitarlo” o “Se murió por el camino”. Todos ellos temas referente del afterpunk patrio.

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Me dí cuenta de que ahora están tocando todas estas canciones antiguas con nuevos arreglos de teclados por parte de la teclista Elizia, que les dan un aire más actual que en las grabaciones originales. Igual deberían replantearse regrabar algunos cortes emblemáticos antiguos, que en su día fueron grabados directamente en maquetas y con menos medios de los disponibles a día de hoy, como los incluídos en “recopilación de resurrección”, que ya tienen unos años…
Siguieron con algunos cortes de su último disco, como “El escultor de cera” o mi favorita “La bella durmiente”. No puedo recordar la cantidad de veces que hemos cantado a coro con acento cargado de odio “Sobre terciopelo negro, de su alcoba, caminaba fría e inerte, la bella durmiente”.
Incluso hubo tiempo para el lucimiento solista de Elizia y su “Song of the darkness”, que marcó un momento de tranquilidad ante tanta ráfaga lírica. De hecho, una de las cosas que más me gustan de ellos es la capacidad de “escupir” su mensaje con tanta rabia y odio, tanto la vertiente social y oscura de la sociedad, como la poética y literaria.

Una vez terminado el concierto, pudimos disfrutar de una afterparty donde pudimos escuchar lo mejor del rock gótico y el afterpunk actual, así como muchos temas de la banda homenajeada.

Y esto es lo que dio de sí este 25 aniversario de una banda que, siendo ninguneada y menospreciada por muchos, siguen siendo un referente patrio en lo que a death rock o after punk se refiere, por algo llevan ya un cuarto de siglo entre nosotros.
Como se suele decir, “ladran, luego cabalgamos”.
Por otros 25 años y espero que pronto con un nuevo disco debajo del brazo. Allí estaremos para haceros llegar al nivel que os merecéis, pese a quien pese.

¡Paralítikos somos!

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Texto y Fotos: Espíritu


LA RESISTENCIA ORGAN PRESENTA: BRIGHTER DEATH NOW + RAISON D'ÊTRE + DEUTSCH NEPAL EN BARCELONA

17/12/14



TRAS LA TORMENTA CELTIBÉRICA, FIESTA POST CONCIERTO EN LA SALA CLAMORES




TORMENTA CELTIBÉRICA ESTE SÁBADO EN MADRID




GOLDEN APES: Langsyne Litanies (AF Music 2014)

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Golden Apes publicaron Riot (para nosotros su mejor disco sin duda alguna) hace dos años y después se embarcaron en una exitosa gira por toda Europa que, por no perder la costumbre, no desembarcó en España. Después, ya en 2014, hicieron unos cuantos conciertos acústicos y de ahí surgió la idea para este Langsyne Litanies que vio la luz el 31 de octubre. Escogieron los cinco temas que pensaron que mejor se podían ajustar a lo acústico o los cinco que más les gustaron. Y lo que iba a ser un EP se convirtió en minLP (añadiéndole tres temas nuevos en el mismo formato). Interpretados con profusión de instrumentos, aparte de –lógicamente- guitarras y percusiones: chelos, flautas, tubas… un estupendo despliegue. El CD, limitado a 333 copias, muestra otra cara de los berlineses, una más pausada, más reflexiva si se quiere, más melancólica, pero en absoluto con menos fuerza.

Todo comienza con los primeros acordes de Devil (del citado Riot). La energía que supuraba entonces, sigue muy presente, no se difumina con la exuberancia instrumental y ciertamente gana en intensidad melodramática, probablemente culpa de las cuerdas que llenan los cinco minutos del tema. Oscura, pasional, los adjetivos se quedan cortos. Rosary permanecía inédita. Desde el bajo inicial hasta los coros finales, es un auténtico y sentido himno oscuro, imprescindible en cualquier discoteca, una pieza de orfebrería musical llena de sentimiento y magia. Perfectamente integrada en el sonido actual de la banda además. Blind-Eyed Boy, de The Geometry Of Tempest te abre en canal con el chelo y la guitarra acústica en medio tiempo. La voz de Peer desgrana la letra llena de melancolía sincera con ese timbre profundo que le caracteriza y la sensación de que siente cada palabra, eso que solo se nota cuando coinciden escritor e intérprete. Ferryman del mismo disco, es algo más movida. Otra vez el chelo protagoniza una pieza sentida, repleta de tristeza, en este caso, esperanzada. La guitarra, la voz, nada baja el nivel del tema, a una altura increíble, ciertamente.

The Archers, segunda inédita, tiene un aire como a trova medieval. Rítmica, la entonación como de narrador de leyendas, le da un toque muy especial. Para mí, es la mejor de Langsyne Litanies y teniendo en cuenta de lo que está rodeada… impresionante corte, vamos. Digging Towers, de Denying The Towers Our Words Are Falling From..., comienza con el chelo y el piano, en un tempo similar al de la original. Debo decir que este disco tal vez sea el que tengo menos oído de los germanos y a primera escucha no me terminó de entrar del todo. Hoy me la pondría todo el tiempo. El aire marcial de las percusiones ayuda, la excepcional interpretación tanto vocal como instrumental también. White Days, de Riot, también respeta el tempo original, aunque gana en matices, en belleza pura, lo que se deja de épica eléctrica. Aun siendo una especie de vals acústico la de Riot, no está puesto el acento ahí sino en la potencia de la melodía, tremenda. That Infinity Called Man… es la tercera inédita y cierra el disco. Inquietante, atmosférica, con el piano protagonista de la melodía principal y el resto de instrumentos dibujando por encima, es un epilogo perfecto para un estupendo trabajo. Instrumental, con algún sampler al principio, consigue su objetivo: que vuelvas a poner el CD desde el principio.

Langsyne Litanies tiene como único defecto que se hace francamente corto. Treinta y cinco minutos dos años después del disco anterior, nos sabe a poco. Sobre todo porque esos treinta y cinco minutos son posiblemente de los más intensos en lo que va de 2014 (ya no queda nada) y puesto que ha sido un año repleto de discos más que notables, es todo un gustazo encontrarse con este miniLp de tan preciosa factura. Esperemos que el nuevo disco, las nuevas canciones, no se hagan esperar mucho.

RAKTA EL 20 DE DICIEMBRE EN MADRID

14/12/14



BECUZZI - LYKE WAKE - NOISEDELIK - SSHE RETINA STIMULANTS – UNCODIFIED: Poisonous, Black & White Iridescence Across Dangerously Amorphous Urban Landscapes (SwissDarkNights 2014)

11/12/14
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Este disco de título breve y conciso (ja) es una especie de trabajo comunitario entre los cinco proyectos del encabezamiento. Son, a priori, los mayores representantes del dark ambient italiano y aquí unen sus fuerzas para demostrarlo. No es un recopilatorio, los cinco tipos han tocado en cada canción, es un trabajo colectivo. Cinco cortes (y un breve bonus de un minutillo al final) bastante uniformes en cuanto a sonido y planteamientos. Cinco piezas largas, de entre siete y nueve minutos cada una, que tratan de ambientar esos pasajes (y paisajes) sonoros que suelen ser la norma habitual en el género. Lo consiguen ciertamente.

Stranger In My Mirror es un tema oscuro, atmosférico, que imprime al oyente un cierto desasosiego tranquilo, una especie de peligro medido y al mismo tiempo inédito sobrevuela toda la canción, no sabes dónde está, lo que es peor, no sabes a ciencia cierta SI está. Como ese extraño en el espejo del título. Teclados ominosos, campanas, sonidos espaciales, experimentos variados que tejen un cierto tapiz onírico sobre el que se apoyan un sinfín de otros matices, algunos más evidentes que otros, algunos más puntiagudos. La mezcla de elementos electrónicos y orgánicos, de acústica y electricidad, proporciona el necesario sustrato para desarrollar esta pieza serena, de aire templado y experimental.

Sub-Atomic Theologies And Daemonic Filaments redunda en lo experimental, en lo ambiental, en las texturas abstractas, en la exploración de la línea, finísima, que separa música y ruido, abstracción pura. Tal vez tenga un aire más íntimo, más introspectivo que el anterior, pero refleja aproximadamente lo mismo. Ese mundo interior expansivo y tantas veces apologético. Ese otro mundo exterior, agobiante muchas veces, aplastante incluso. Y la enormidad del espacio, lo infinito y el tacto aterciopelado de la noche más oscura. Si tuvieras que coger todo eso y convertirlo en obra sonora (me cuesta llamarlo canción, me parece restrictivo dadas las circunstancias), probablemente estarías ante Sub-Atomic Theologies And Daemonic Filaments o incluso ante el siguiente corte, de estructura muy similar, como una segunda parte: A Dream Without Light. Más abierta esta última, más fría y menos densa. Igual de abstracta. No por ello más indefinida, pues si bien la representación es de paisajes difusos, sin límites conocidos, la percepción sónica concretiza estas líneas, las hace casi tocables.

Black Dawn Rising es quizá el corte más post industrial, más ruidoso. Y el más difícil. Sonidos aparentemente inconexos, ausencia total de melodía, silencios que significan tanto, que tienen el mismo peso que los “momentos sonoros”… complicado de escuchar y de comentar. Transmite mal rollo, consigue finalmente que aprecies un porqué de esa estructura desestructurada (si se me permite la expresión) pero la sensación no es agradable.

En Some Side Effects Of Lithium, sin embargo, se retorna a ese landscape sonoro ya trabajado en los tres primeros cortes, sin terminar de dar de lado el aspecto más opresivo y caótico pero buscando una cierta unidad audible, un tejido más “armonioso”. La inclusión de voces sampleadas, si bien están sepultadas bajo varias capas de sonido contribuye al despertar de sensaciones, a algo cercano al éxtasis sensorial (especialmente si escuchas este Poisonous, Black & White Iridescence Across Dangerously Amorphous Urban Landscapes, uf, a oscuras y con auriculares). Éxtasis en el sentido no necesariamente placentero, sí contemplativo. El delicado y breve bonus que hace de epílogo calma un poco el agitamiento provocado por el anterior, tiene un cierto efecto balsámico, necesario y de agradecer.

Poisonous, Black & White Iridescence Across Dangerously Amorphous Urban Landscapes es un álbum peculiar en su concepción, conceptual en su estructura y disposición interna, abstracto en su intención, delicado en su descripción onírica, hipnótico en su evolución. Una estupenda banda sonora postapocalíptica, una magnífica oportunidad de acercarte a la escena dark ambient italiana, que no solo de frío escandinavo y de aridez oriental vive el melómano.

Recuerda que lo puedes adquirir vía SwissDarkNights o a través de nosotros. O también enviando un correo electrónico a laletracapital@hotmail.com.


ARSENIC UNBIRTHDAY: Ravens And Writing Desks EP (Epitronic 2014)

10/12/14
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Arsenic Unbirthday es una banda de rock alternativo italiano, que después de varios cambios, tanto en el nombre como en la formación, y con la sabiduría que da el tener varias experiencias en el extranjero, como haber grabado en los estudios Death Island de Dinamarca, Marya Mallow y Nick Farlight dejan nacer en este caso “Ravens and writing desks” su primer EP, de la mano de Epictronic, concentrándolo en seis canciones porque como todos sabemos, el veneno siempre va en botes pequeños.

“My Enemy” abre el disco recordando irremediablemente a Evanescence, aunque ya a mitad de canción, que es bastante pegadiza, gracias a la batería y teclados pega un giro hacia Muse que te hace olvidar que te han recordado al otro grupo anteriormente y te centra nuevamente los oídos.

Arsenic Unbirthday se define como una “venenosa” banda de rock alternativo y es en “Unnecessary Pain”, la segunda canción, donde ya podemos encontrar esas gotas de veneno a través de un sonido menos melódico y más depresivo conseguido con la guitarra y la batería de Alex Stowe que colabora en este EP. “Imperfect”, quizás es por el título que no le acabo de coger el gusto más que a la primera mitad de la canción. Como es característico en el rock alternativo el grupo que se arriesga a hacer canciones de cinco minutos se enfrenta a dos problemas: que parezca que se ha rayado el disco por lo repetitiva o que quieran cambiar tanto dentro de la misma canción que al final quede como una especie de refrito extraño. Y para mi este es el caso. Me agobia, pero igual es parte de ese veneno que me está empezando a hacer efecto.

“Another sin to hide “ te envuelve con la voz de Marya y la guitarra dulce, eléctrica y potente característica de las semibaladas alternativas, para que en “Leaves Beneath” le den prioridad a los teclados, efectos y batería volviendo otra vez a ese sonido tóxico que no por definirlo así es malo. Sparklet cierra este variado EP con un sonido fresco, guitarrero, como si fuera el cubo de agua fría necesario para espabilar de tanto veneno y que te deja pensando de qué estilo sería la siguiente canción si hubiera más, por lo que la sensación en general es bastante buena: cuidadas letras, gran voz muy moldeable la de Marya Mallow, la impecable y guerrera guitarra de Nick Farlight y la indestructible y necesaria percusión de Alex Stowe hacen que este pequeño (por lo corto) bote de arsénico sea a tener en cuenta.

Texto: Chatarrera Nórdica


RECORDATORIO: PARALITIKOS CELEBRAN EN MADRID SU 25 ANIVERSARIO, EL 20 DE DICIEMBRE EN LA WURLI Y DESPUES NOMADA SESSION 35




RECORDATORIO: DARK CHRISTMAS FESTIVAL 2014: DIARY OF DREAMS + THE FROZEN AUTUMN + ESTILO INTERNACIONAL




NEW BREED - Pleasure & Pain (Gothic Music Records 2014)

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New Breed no son unos recién llegados en esto del gothic rock ortodoxo. Se formaron en Stavanger (Noruega) en 1998 aunque se “refundaron” hace un par de años. En el currículo de sus miembros, Elusive, The River Knows y un bastante largo etcétera. De hecho este Pleasure & Pain se publicó en 2003 en formato minilp de siete temas. Ahora, en 2014, ha sido remasterizado y se le han añadido las cuatro canciones del EP Shadows (1999) y alguna sorpresa. El resultado no ha podido ser mejor. La edición, como siempre cuidada al milímetro; el sonido, excelente; el diseño, francamente bonito. Una ocasión estupenda para hacerse con un trabajo imprescindible en el gothic rock ortodoxo (bah, o en el que sea) y, esperemos que el refrendo definitivo a la banda que no disfrutó hace once años. Veamos por qué.

El CD se abre con Neurotica. Una pieza de cuatro minutos que encierra ya las características que definen todo este Pleasure & Pain: guitarras omnipresentes, bajos contundentes, ritmos ad-hoc y una voz personal pero a la vez llena de referencias. Gótico de guitarras del de toda la vida, en la vertiente menos deudora de la herencia sisterciense. Nada nuevo bajo el sol, parece. Pues no. Es cierto que no hay nada esencialmente novérrimo en esta Neurotica (ni, claro, en el resto del CD) pero esas líneas de guitarra, ese bajo atronador… Suena lo bastante bien como para resultar estimulante, lo bastante potente para ser atrayente. Memories es conocida ya de This Is Gothic Rock vol. I. Más medio tiempo que la anterior, más pausada pero no menos intensa. Melodías de esas que se te meten dentro. Estremecedoras como las de Pleasure. La combinación de riffs y teclados le da un toque melancólico oscuro al tema que recuerda al rock noir de unos Le Fleurs Du Mal. Más pegadizos aún si cabe. Un buen corte que da paso a una de las joyas del CD, Pain. Repleta de matices, casi puedes notar el humo seco. Empieza tranquila y va creciendo y creciendo hasta que explota, combinando voces, instrumentos… No es de esas canciones épicas que terminan desgarrándose, es… otra cosa. Una estupenda. Shadows recuerda en su estribillo y en la línea melódica a When You Don’t See Me de los sempiternos Sisters, pero ahí termina el parecido. Por lo demás es otro magnífico ejemplo de gótico guitarrero bien hecho, ortodoxo, sí, canónico. Pero muy bien ejecutado. Y además es de las que se pegan como el caramelo caliente. Difícil desprenderte de ella una vez escuchada, difícil no oírla de nuevo. Escape es también, como Existence (que cierran lo que sería el disco original) cien por cien gothic rock clasicorro, con todo lo bueno y todo lo malo que conlleva eso. En este caso que nos ocupa es mucho más lo bueno que lo malo, a estas alturas que ya sabemos a qué atenernos, se agradece que no haya lugar a desfases estilísticos.

Queda lo que fue el EP Shadows. Repiten la propia y Escape. Sinceramente me parecen mejores las “nuevas” versiones, más trabajadas, como más acabadas. Más pulidas. No es que sean radicalmente diferentes, no lo son claro, pero conociendo el resultado posterior y sin desmerecer nada, las del EP me suenan a demo. Aun con todo, prefiero Shadows a Escape, que tiene una cierta intención no sé si bailable que a mi modo de ver no le hace ningún bien. Electra es oscura, muy oscura. Se nota también que a aquellas alturas, las referencias, los espejos en los que mirarse eran más omnipresentes que ahora. Buen tema pero lejos de los grandes momentos de Pleasure & Pain. Desire es más balada clásica. Suficientemente melancólica, convenientemente intensa. El mejor corte del EP para mi gusto. Cuando rompe llega al desgarro que citaba antes, recuerda a los más inspirados Dreadful Shadows (menos endurecida, eso sí). Preciosa.

New Breed representan fielmente el “nuevo” gothic rock que llega de Escandinavia. Son sobrios, oscuros, guitarreros, clásicos… Tienen todo lo necesario para ser parte de la columna vertebral de esa nueva hornada de grupos del género. Por supuesto hay que esperar un poco para ver si con nuevos trabajos acreditan lo que apuntaron en 2003 que ahora ve la luz en 2014. Habrá que esperar pero todo hace indicar que así será. La gente de Gothic Music Records tiene buen ojo…

Como ya sabes este disco y el resto de los del sello los puedes adquirir vía Gothic Music Records o a través de nosotros. O por supuesto enviando un correo electrónico a laletracapital@hotmail.com.


OCTOBER PEOPLE PRESENTAN LOVE IS COLDER THAN DEATH EN ENERO EN MADRID

9/12/14



SOVIET SOVIET POR PRIMERA VEZ EN BARCELONA

7/12/14



LA SANTÍSIMA TRINIDAD DEL AFTERPUNK, KANTE PINRÉLIKO + LOS CARNICEROS DEL NORTE + EYACULACIÓN POSTMORTEM, 05 de diciembre de 2014, Sala We Rock, Madrid

5/12/14
Tengo un impresionante imán para atraer a frikis, pesaos e idiotas en general, se me pegan como lapas. Esta capacidad magnética se acentúa los días de concierto, desconozco la razón. No sé si es porque los eventos a los que suelo acudir son más ricos en este tipo de gente o porque mi natural atractivo se magnifica en esas ocasiones, pero lo cierto es que es raro el concierto en el que no me toca sufrir a algún personaje de estos, antes, durante o después del bolo. En fin. Paciencia. Había quedado con dos bellas damas pero mi tendencia a la hiperpuntualidad (y gran talento aparcando) me obligó a esperarlas casi una hora. Caldo de cultivo perfecto para brasas varias. Al fin llegaron y poco después la sala We Rock abrió las puertas.

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Con relativa puntualidad los cartageneros Kante Pinréliko se hicieron cargo del escenario. Al comenzar el tema dedicado al coño de su vecina, sic, había ya bastante gente pendiente, no estaba llena la We Rock pero no faltaba demasiado. El sonido, correcto, permitía entender con bastante nitidez las letras del cuarteto, para mí su mejor baza. Musicalmente se ciñen bastante al género, con momentos más bestias que otros pero claro, hacen punk. Con mucha influencia after pero punk al fin y al cabo. Ya sabes, melodías sencillas, rapidez, velocidad, un puntito de mala hostia… y mucho talento en la lírica, que, insisto, para mí es lo que los hace diferentes. Repasaron un montón de canciones (tienen una amplísima trayectoria detrás), destacando a mi modo de ver Ladrón de Cadáveres, Poción de Loncha, Si Me Faltas Tú y Que Mal Me Peino. Las interpretaciones (de todas, no solo de esas) estuvieron bien, bastante bien. Me hicieron mucha gracia además los “apelativos” que el bueno de Pepe Moya iba dirigiéndonos entre canciones. Sentido del humor, fundamental en este género en el que no hay nada peor que ponerse intensito.

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El concierto terminó sin bises, con Soy de Cartagena. Tan reivindicativa como divertida. Otro himno, pero claro, es que casi todos lo son. En definitiva un muy buen concierto, demostrando tablas y saber hacer (algo que se repetiría toda la noche). El único pero que le puedo poner es que a ratos fue un poco monótono en cuanto al estilo. Pero oye, es que son así, tienen un estilo marcado, una manera de cantar, incluso una métrica, definida, concreta. Las canciones se parecen entre sí, no podía ser de otro modo pero es un “pero” menor. La gente se lo pasó en grande demostrando (algo que también se repetiría a lo largo de todo el evento) que el orden de las bandas era lo de menos y que cualquiera hubiera sido igual de perfecto. Les tocó abrir a los cartageneros, pues bien, pues vale, pues abrieron, pero convencieron al que esto escribe que perfectamente podrían haber cerrado. Se hizo corto el recital, la verdad.

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Turno para Los Carniceros del Norte. La novedad es que venían con batería. Bueno, novedad para mí, siempre los había visto con caja de ritmos solo, pero esta noche decidieron combinar las baquetas “orgánicas” con las electrónicas. Y el resultado, fue, a mi entender, bastante bueno. Abrieron con Llamando a las Puertas Del Infierno. Después Los Muertos Vivientes, El Hombre de los Rayos X en los Ojos (una de mis preferidas)… intachable el setlist, pero no entiendo porque obviaron todos los temas nuevos (tienen EP reciente y en principio en breve saldrá LP, Coulrofobia) y se centraron en un repertorio genial, pero que ya habían tocado en Madrid repetidas veces. Independientemente de esto, sonaron como nunca, con los cuatro músicos en estado de gracia y la impresionante interpretación teatralizada habitual. Habitual en cuanto a lo impresionante, esa si varía a lo largo de los diferentes conciertos. Lógico por otro lado.

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Del resto, destacaría Gritos en la Noche, Doctor Caligari y, claro, Nosferatu En Barakaldo y Nekromantikos con el público ya absolutamente desatado. Empujones, pogos, salto, golpes… poco me parece para lo que sucedía sobre el escenario. De las tres bandas que forman esta bizarra Trinidad, mi preferida es la de la carnicería por lo que disfruté como un enano con cada tema escupido. Y eso que quedaba la sorpresa final. Ana Curra sale al escenario a interpretar con el cuarteto Autosuficiencia y Un Día en Texas. Su siniestrísima majestad dándole un punto, su punto, decadente y elegante al Acto. Sé que quien está a mi lado en este momento lo está disfrutando especialmente aunque siga con gesto impertérrito, como el resto del concierto. Fue un final apoteósico para un concierto estupendo, corto, como todos (tres grupos, ya sabes). Un concierto magnífico pese a que no tocaron Las Manos de Orlac. Eso ya, lo reconozco, es una manía personal, me encanta esa canción, qué le vamos a hacer.

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Quedaban de fin de fiesta Eyaculación Postmortem. Los de Barcelona traían además espectáculo añadido. Además de un theremin. Instrumento al que profeso admiración y manía a partes iguales. Nunca una nota rara dio tanto de sí, nunca algo más cerca de la curiosidad científica que del arte fue usado tan profusamente para lo segundo. Sobrevalorado hasta decir basta aunque me fascina la “física” de su funcionamiento. Dicotomías. Para el espectáculo quedaban algunas canciones aún, La Vida Me Sonríe y Quiero Ser Párroco. Ya de primeras suena peor (la voz especialmente). No consigo entender ninguna letra, es todo demasiado confuso. Musicalmente bien, sin grandes alardes pero más que eficaces. La batería lo bastante atronadora, la guitarra y el bajo contundentes, el ocasional teclado también bien, insisto, el único problema la voz. Puede que incluso fuera a propósito, más o menos, en el sentido de darle un punto cuasi hardcore a todo, no lo sé.

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El espectáculo citado antes, las eyaculettes. Disfraces, corsés, sangre artificial, fusta, pollas de plástico como pistolas de agua “eyaculando” sobre la gente… Un gustazo. Divertidas y sexys, hicieron que fuera un concierto especial. Musicalmente me gustaron Como Hacerse El Muerto (y no morir en el intento) y Yo Fui Una Sadoréxica Adolescente. Y claro, Tú Vienes de Negro, Nosotros Volvemos de Gris, otro pedazo de himno. En resumen, los EPM lo dieron todo. La única pena lo dicho de la voz, pero no se puede tener todo. Un gran concierto.

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Corred corred, antes de que esto se llene de heavies. Y corriendo salimos, claro, al extremo de la Gran Vía, casi en Alcalá ya, dónde estaba programada la fiesta postconcierto. Buena música, buena compañía, pero sin grifo de cerveza. Casi inadmisible.

(Modo guiños On. ¿Cuánto se tarda en levantar una cresta de esas? Dios, mira, la estatua de la libertad. Unos cuantos peleándose de mentira, idos a un albergue. Tercios. Bailes que no. Risas. Taburetes sin usar, abrigos que sobran. Modo guiños Off.)

Un evento bien, perfectamente, organizado. Tres grupos, tres estilos que son uno. Tres maneras de ver y vivir cosas parecidas. Una noche que se hizo muy corta. Esperemos repetir lo antes posible.

Más fotos en Facebook.

THE NIGHTCHILD: I'm Not Afraid Of This (Cold Insanity Music 2014)

4/12/14
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The Nightchild, nacido en Donetsk, presentan “I’m not afraid of this” para celebrar sus diez años en el panorama musical. Después de “Memories”, donde el sonido era bastante cañero, con estos nuevos 12 cortes los ucranianos buscan su propio estilo y sonido acercándose más al romanticismo oscuro, con guitarras melódicas y pausadas, como nos muestra ya la primera canción, “March Of The Fear”, instrumental con una melodía bastante sencilla pero completa. “I´m Not Afraid Of This” corte que le da título al disco, suena clásico en guitarras, teclados y batería. La voz de Alexei unida a su pronunciación me hacen pensar que igual en ucraniano sonarían bastante mejor. “Memories” suena bastante parecida a la anterior, sin dejar el toque retro pero tampoco mostrando nada nuevo. “Inner Prison”, algo más cañera pero en la misma línea, nos lleva hasta “Cenobites”, donde el teclado toma algo más de protagonismo. Quizás la canción más completa del disco, al que en tono general le falta bastante fuerza y riesgo a la hora de componer las canciones. Demasiado influenciado por los clásicos ochenteros, es más de lo mismo sin nada que destaque especialmente.

“Come With Me” en el ecuador del disco, es igual que las cinco canciones anteriores, y que las seis siguientes. No hay ningún riesgo, ni variedad, todas cortadas por el mismo patrón, con diferencia en la velocidad de la guitarra y si hay más o menos batería. Algunos momentos hasta tiene ramalazos pop. Y la voz del cantante no ayuda, es como si el cantante de Pereza cantara ahora rock gótico, ahí lo dejo.

“She’s Dancing In The Rain” ( con sus efectos de lluvia incluidos) sigue la línea sin variarla un ápice como continuidad infinita del rock gótico ochentero, que no suena mal para nada, pero todo esto ya lo hemos oído antes, como “Blood On The Roses”, otra de las más completas dentro de su estilo. “Mirror” me llama la atención por la fuerza, el cambio de tono de voz (algo más grave) aunque hayan metido efectos de un espejo roto y me pregunte si de verdad era necesario que lo hicieran. Una de las mejores del disco, pese a los cristalitos.

Y, casi diría que por fin, los tres últimos cortes: “Someone´s Toy” suena bastante bien , más rítmica y con un estilo menos romántico que el resto del disco, al igual que “The Madness Returns”, para mí la mejor del disco, buen ritmo, gran batería, sin dejar el estilo clásico, pero que dentro del conjunto se hace destacar. Escuchando estas últimas canciones pienso que les pega más esta vertiente que la del resto del disco. Y me lo confirma “Stars”, casi seis minutos de canción donde mezclando ambos sonidos, romántico y guitarrero, le sobran tres.

Después de varias escuchas, “I’m Not Afraid Of This” no está entre mis discos favoritos.

Texto: Chatarrera Nórdica


NOMADA SESSION 34: SABADO 6 DE DICIEMBRE EN LA LEYENDA



DRAMA OF THE SPHERES: Puzzled View (Manic Depression 2014)

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Difícil me lo ha puesto este Puzzled View de los franceses Drama Of The Spheres. Una banda veterana, más de veinte años de trayectoria, pero que sinceramente no conocía más que de nombre. Pero eso no ha sido lo que lo ha hecho complicado, obviamente. Lo complicado viene cuando pulsas el play en el reproductor y los primeros sonidos empiezan a llenar la habitación. Viene cuando te das cuenta de la absoluta locura que impregna cada nota. Es como si Marilyn Manson se hubiera tirado veinte años en un psiquiátrico escuchando deathrock todo el rato y hubiera decidido, al salir, remezclar las paranoias más delirantes de Virgin Prunes. Está claro, ¿no? Pues me quedo corto. Riffs imposibles de guitarra, cercanos al rock noventero independiente, constantes cambios de ritmo, bajos tremebundos y desquiciada genialidad a volumen brutal. La voz es absolutamente personal aunque tiene ese deje deathrockero tan característico mezclado con la ronquera de un Reznor o del propio MManson. Con el añadido de la mala hostia de un Jaz Coleman pasado de vueltas. Lo dicho, complicado, muy complicado.

Y es que me ha costado entrar en un disco que en un primer momento me parecía deslavazado, confuso, ruidoso en el mal sentido. Como si los instrumentos en vez de compatibilizarse entre sí, compitieran por destacar, por quedar por encima. Pero poco a poco he ido “comprendiendo” las canciones, intuyendo los porqués, vislumbrando que es lo que DOTS pretenden con cada detalle. No es fácil Puzzled View, no te deja disfrutarlo a la primera. Circus recuerda en guitarrazos y ritmos a ese rock noventero alternativo que citaba antes. Los cambios en la enloquecida voz, el bajo omnipresente… y el detalle central puramente circense, una chifladura más, una genialidad, una boutade absoluta. Puppet Song no refleja menos desquicie. Toques industriales (desde el rock, otra vez), alucinantes matices. La letra repite un mantra larguísimo, el ritmo cambia cien veces y JeroMad se erige en protagonista absoluto. Toxic Boy suena bastante deathrock, especialmente en garganta. La estructura es muy parecida a las anteriores pero la suaviza el teclado. Tiempo al tiempo se ha convertido en una de mis favoritas del disco. Identified retoma la senda del nuevo rock noventero, el que creció tras la explosión grunge, especialmente en la arquitectura del tema. La voz, otra vez, se carga un poco esa apariencia pero no evita la imagen de melena y pantalón corto ancho con sudadera de capucha. Terroristik Toiz redunda en lo apuntado. Demasiada hostia con las seis cuerdas para mi gusto, le falta algo de decadencia elegante entre tanto punch. Los efectos de micro recuerdan de nuevo a la Marilyna, aunque sin exagerar. Dustman se apoya en el teclado en su comienzo, ondulante, bella, pronto se enrancia con efectos diversos y entra el trueno de la guitarra y la batería aporreada con saña. Las teclas se contagian y la voz vuelve de cabeza al loquero. Curiosa, muy curiosa. So Fake es cortita, poco más de dos minutos de piano y enajenación mental. Está tan fuera de punto respecto al resto del CD que se le coge cariño enseguida. Casi cabaretera oscura. No digo más. Por el contrario, The Story Of A Crow, con la que termina el trabajo regresa a los derroteros habituales y anteriores. Suavizados un poco, pero ahí están.

Decía que no es fácil este disco, no entra a la primera ni a la segunda ni a la tercera. Pero tiene algo, algo especial que hace que termine gustando, como las bebidas amargas. Algo distinto. Algo además, muy poco francés. Y muy poco corriente. Destaca por ello.